Монументальная живопись — жанр, имеющий за спиной огромную историю. Настенные росписи задолго предвосхитили появление станковой живописи, ковки, витража, скульптуры и прочих способов самовыражения, и их след теряется в глубине веков. Неслучайно в арсенале сегодняшнего автора-монументалиста огромная тематическая гамма, отражающая все этапы художественного развития homo sapiens — от имитации наивных наскальных рисунков до сложнейших живописно-пространственных композиций эпохи Возрождения, когда настенные росписи достигли своего наивысшего рассвета. Менялись техника и сюжет, подручные средства и видение предмета, стилистика и акценты. Неизменными оставалась самобытность и уникальность интерьера, в котором работал художник. Кносский дворец, росписи Микен и Пилоса, одна из величайших катастроф истории — Сантарин, наконец, Помпеи и Геркуланум… Все они стали гимном искусству фрески. Темпера же и масло появились значительно позже.
Эпохи и народы привносили в искусство настенной росписи что-то свое. Древние египтяне, к примеру, придумали лазурь, киноварь и индиго; византийские мастера ввели листовое золото, которое, кстати, благополучно перекочевало в древнерусскую традицию оформления храмовых интерьеров; средневековая Европа усовершенствовала приготовление красок, грунтов и лаков. В 50-е годы ХХ века на свет появился акрил. Именно его, масло и темперу в наши дни следует отнести к наиболее распространенным техникам настенной живописи. Притом что секреты классической фрески не были утрачены со временем, сегодня она используется крайне редко, да и то преимущественно в храмовых интерьерах, где так эффектно смотрятся многофигурные композиции. В современном же материаловедении фреской называют акриловую живопись по фактурной штукатурке. По правде сказать, и темперу в наши дни на яичном желтке никто не растирает — она продается в таких же тюбиках, как и акрил, и совсем не уступает ему по разнообразию цветовой гаммы.
В зависимости от объекта, капризов заказчика, площади росписи и, конечно, собственных предпочтений сегодняшний художник выбирает, как правило, между масляной темперой и акрилом. Традиционная масляная краска, помимо станковой живописи, используется в основном для росписи отдельных фрагментов. Для больших же площадей темпера и акрил сподручнее. Разница между ними, например, в том, что акрил заметно быстрее сохнет. Это в определенной степени удобнее для автора, экономит время. Однако с точки зрения художественной выразительности темпера богаче. В ней можно делать цветовые растяжки, работая сразу несколькими тонами: один за другим они накладываются на стену, художник постепенно размывает между ними границы, и так появляется выразительный объем. Потом наступает время прорисовки отдельных деталей. Правда, после высыхания темпера слегка блекнет. Но это ненадолго: покрытая лаком роспись проявляется с новой силой. В темпере также разводятся колеры, делается подмалевок, прописываются нюансы… По сути, она напоминает собой станковую живопись, только очень большого формата, когда вместо холста на подрамнике перед мастером целая стена, а вместо кисти в руке флейц или валик.
Как признался художник Александр Прасолов, соотношение при выборе акрила и темперы сегодня примерно 50 х 50. Притом что мнение о степени выразительности последней довольно спорно: акрил на фактуре производит отнюдь не меньшее впечатление.
Живопись для VIP
Росписи в интерьере всегда не только обуславливали заведомую уникальность обстановки, но и подчеркивали социальный статус владельца. Пожалуй, исключение составила эпоха советского неоклассицизма с его цементно-бетонными основаниями для изображения весьма незатейливых сюжетов, как правило, на тему счастливого детства. Частный интерьер 1990-х вернул настенным росписям былой статус. Сегодня они вновь служат доказательством респектабельности и еще нередко демонстрируют высокую художественную ценность. К сожалению, видеть подобное искусство допущены лишь избранные — разве что сами владельцы интерьера да узкий круг приближенных. Например, у Александра Прасолова из всей обширной творческой практики (а он занимается интерьерами с конца 1980-х годов) сохранились фотографии, наверное, лишь трети выполненных работ, и подавляющее большинство — любительская съемка общественных объектов или же скупые фрагменты, запечатленные с недовольного согласия владельцев частных домов. Последних вроде бы можно понять: если уж речь идет об уникальности, нужно сделать все возможное, чтобы какой-нибудь нечестный художник вдруг не воспользовался чужими наработками и и не повторил бы сюжета. Не говоря уже о том, чтобы и самому автору неповадно было лучшие свои работы копировать. Впрочем, это следует списать на особенности отечественного менталитета.
А вот на выставке в Гамбурге некий добропорядочный бюргер, приобретший огромный интерьерный коллаж работы Прасолова для собственного дома, заказал ему копию для своих друзей во Франции.
Условно говоря
В идеале идею росписи интерьера следует включать в планы на стадии проекта. Ведь монументальная живопись диктует ряд требований, и основным остается взаимодействие с архитектурой. Необходимо учитывать назначение помещения, степень его инсоляции, температурно-влажностный режим и т. д. Кроме того, под живопись необходимо оставить место на стене. Место нужно оставить и под банальные строительные леса, без которых не обойтись, в частности, при росписи потолков. Или шестиметровых стен в двусветном пространстве загородного дома.
Альтернативный вариант — холст с уже написанным сюжетом, который наклеивают в интерьере. Когда на стену, а чаще на потолок. Как правило, такой метод художники применяют, если речь идет об очень больших площадях. И 15 кв. м одним куском считаются большой площадью для наклейки. Тогда изображение лучше разрезать.
А. Прасолов: «Например, при оформлении одной загородной виллы в барочном стиле площадь потолка комнаты была около 18 кв. м. Поэтому изображение наклеивали частями — их было три.
Вообще, надо сказать, наклеиванием холстов занимаются специалисты, как правило, реставраторы. На одном объекте работает целая бригада людей, ведь холст необходимо поддерживать, растягивать, раскатывать, чтобы не было пузырей. Холст может быть любых размеров. Он рисуется в мастерской на подрамнике, затем снимается, скатывается в рулон и перевозится на объект. Чтобы работа не деформировалась, холст предварительно грунтуют аквастопом. Чем качественнее холст, тем он лучше наклеивается — без складок, разрывов и пузырей. Это очень ответственный момент, поскольку неправильно наклеенный холст может перечеркнуть старания не только художника, который его создавал, но и автора интерьера».
Подобных недоразумений у художника давно не бывает. Сказываются многолетняя практика и опыт. Его с удовольствием приглашают архитекторы, с которыми он постоянно и не один год работает вместе. Обсуждение, как и положено, происходит на этапе проектирования. На стадии отделки художник подключается для создания эскизной части стен или потолков. К этому моменту в интерьере подготовлена фактура. И если для темперы желательно иметь ровную гладкую поверхность, то акрил в этом смысле не столь привередлив: в принципе, подходит любая фактура, в чем заключается еще одно удобство этой краски.
От картона до картины
Идеально, когда отношения художника и заказчика строятся на доверии и взаимопонимании. В этом случае тематика сюжета зачастую выбирается сообща. Автор поможет сориентироваться, аргументирует целесообразность той или иной техники, подскажет стилистику живописи и т. д. После обсуждения всех принципиальных вопросов и вне зависимости от выбранных материалов делается так называемый фор-эскиз. Потом тема вновь согласовывается и художник приступает к эскизу. Это уже более тщательно проработанный рисунок, который, делается в масштабе 1:10 и именно в том цвете, который впоследствии будет на стене. Ведь подбор палитры — дело ответственное; нередко каждый тон, каждая краска также согласовываются с заказчиком. После утверждения эскиза художник делает картон в натуральную величину и лишь затем приступает к работе непосредственно в интерьере.
Для начала изображение необходимо перенести на фактуру. Происходит это так: картон с обратной стороны покрывается углем и накладывается на стену. Затем с помощью твердого карандаша рисунок передавливается на поверхность стены. И наступает черед живописи. Разводятся колеры, накладываются тона; на профессиональном жаргоне это называется «отмывка тонами». Наконец проявляется объем. Когда изображение готово, приступают к мелким доводкам — прорисовке деталей.
Примерно через сутки акрил полностью высыхает. После этого, опять-таки по согласованию с заказчиком, покрывается матовым или полуматовым лаком. По словам Александра, на акриловую фреску размером 2,5 х 4 м уходит полтора–два месяца работы. Темпера сохнет несколько дольше. Соответственно, увеличиваются и сроки выполнения заказа.
А. Прасолов: «Сегодня чаще всего заказывают пейзаж с элементами архитектуры. В моде такие жанры, как анималистика и натюрморт. В меньшей степени востребованы многофигурные композиции. Огромной популярностью пользуется так называемая «обманка», то есть проникновение интерьера в живопись. Например, когда элементы архитектуры интерьера — колонны, арки, балюстрада лестницы, ступени и т. д. — входят в живописное панно переднего плана, а затем переходят в свободную импровизацию. Получается трех- или четырехчастная перспектива, уходящая к горизонту».
По словам художника, в частном интерьере нередко заказывают сюжеты, навеянные Африкой; спросом традиционно пользуется греко-римская тема с античными развалинами и классическим трехплановым построением изображения. Модным сегодня считается пейзаж средней полосы — березки на берегу водоема; деревья с вывороченными корнями; утки, притаившиеся в камышах; кабаны в лесу; брошенные на привале ружья и т. д.
Подобные росписи характерны скорее для рабочего кабинета хозяина дома. В спальне более уместны легкие композиции, скажем, с флореальными мотивами. Жанр архитектурной «обманки» традиционно находит применение в огромных двусветных гостиных загородных особняков.
Александр Прасолов занимается живописью уже более четверти века. Роман художника с интерьером тоже длится не одно десятилетие. А началось все в 1980-е с проектирования музейной экспозиции фабрики имени Тельмана. Тогда в аскетичной атмосфере, с большой натяжкой претендующей на стиль хай-тек, появились огромные сочные пятна текстиля, «зигзагом» простроченного на швейной машинке. Разноцветные нитки, соединяющие лоскутки, стали дополнительной графикой. Так появились оригинальные коллажи, которые впоследствии и привели художника в интерьерный жанр.
Однако станковая живопись никуда не исчезла. Она осталась не только как способ проведения досуга. Многие живописные полотна Александра удачно соседствуют с его монументальными работами, подчеркивая их и делая интерьер более изысканным и выразительным.
Слово экспертам
Досье автора
Прасолов Александр Иванович
родился 16 декабря 1948 года в Ленинграде. В 1973 году окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (Академию художеств).
Профессионально владеет следующими техниками:
— акварели (отмывки) — свободная манера; [br]
— живописи маслом — авторские работы, копии «старых» мастеров; [br]
— резьбы по дереву; [br]
— витража (проекты, исполнение); [br]
— архитектурной графики; [br]
— коллажа (сукно).
Участвовал в выставках:
— «70 лет Октября» в Манеже, 1987 год; [br]
— «Текстиль-3» (коллажи), 1988 год;[br]
— «Ты и твой мир» в Германии (Гамбург), 1991 год;[br]
— в галерее Har-Mar, США (Сент-Пол), 1998 год.
